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Catalogues d'expositions d'art en Allemagne I

Nous présentons ici des catalogues d'expositions qui se sont déroulées en Allemagne. Pour des informations sur des expositions actuelles ou à venir, nous vous conseillons la page
Expositions en Allemagne sur le site
www.allemagnevoyage.com, ou la page facebook Allemagne Arts & Autres
ou encore sur tumblr allemagnevoyage.

Canaletto
Bernardo Bellotto peint l'Europe

Bernardo Bellotto, mieux connu sous le nom de Canaletto, né le 20 mai 1722 à Venise, mort à Varsovieen 1780) était un peintre italien du XVIIIe siècle, se rattachant à l'école vénitienne. Il travaillait en 1761 pendant plusieurs mois à Munich et a peint un large panorama de la ville et deux tableaux du château de Nymphenbourg pour le prince-électeur bavarois, Maximilian III. Grâce à des restaurations approfondies, les trois tableaux grand format ont regagné leur luminosité. Il comptes parmi les œuvres majeures de l'artistes et sont également unique en tant que document historique. L'exposition présente les œuvres munichoises de Bellotto pour la première fois dans le contexte de peintures et dessins de toutes ses phases de création. Ainsi, des vues de villes, châteaux et résidences vont revivre les lieux où l'artiste a travaillé : de Venise à Rome en passant par Dresde et Vienne jusqu'à Varsovie...

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Jason Rhoades

La Kunsthalle Brême a présente en 2014 la première rétrospective en Europe de Jason Rhoades (1965 - 2006), plasticien contemporain américain et un des plus importants artistes de sa génération. C'est la seule station allemande de l'exposition internationale itinérante "Jason Rhoades, Four Roads".
Jason Rhoades acquit une renommée internationale au début des années 1990 avec ses installations spectaculaire, assemblées avec des matériaux de tous les jours. Il a donné des inspirations et était une figure hors norme du monde artistique au tournant du siècle. Rhoades critiquait la société de consommation aussi bien américaine qu’européenne, ainsi que les mythes populaires et culturels.

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"Le Mythe de l'atelier"

La représentation de l'atelier de l'artiste dans l'art moderne. Une exposition de la Neue Staatsgalerie Stuttgart.
Ce n’est que depuis le début du 19e siècle que la représentation de l’atelier est devenue elle-même un thème majeur aux multiples facettes.
Caspar David Friedrich, Adolph Menzel, Edouard Manet, Picasso, Henri Matisse, Ernst Ludwig Kirchner ou Max Beckmann ont créé des images d'ateliers, qui non seulement expliquent leur œuvre, mais qui fusionnent avec lui. D'autres, comme Constantin Brancusi, Kurt Schwitters ou Alberto Giacometti transforment leur atelier même en œuvre. Depuis les années 60, les artistes se consacrent explicitement au mythe de l'atelier : Bruce Nauman, Joseph Beuys, Dieter Roth, Martin Kippenberger, Paul McCarthy ou Lois Renner élargissent le spectre son seulement par la vidéo, l'informatique et des installations, mais aussi par l'association de l'atelier avec la vie quotidienne comme laboratoire et scène.

Esprit Montmartre. La Bohème à Paris vers 1900

Beaucoup d'artistes célèbres comme Vincent van Gogh, Pablo Picasso, Amedeo Modigliani et Henri de Toulouse-Lautrec vivaient et travaillaient à Montmartre. "Le quartier ressemble à un énorme atelier", écrivait un critique dans les années 1890 sur Montmartre.
La Schirn Kunsthalle, Francfort a fait revivre la vie de cette butte particulière aux portes de Paris et fait découvrir l'atmosphère qui y régnait et qui était bien différente de celle du Paris mondain de la "Belle Epoque".
Plus de 200 œuvres de Pierre Bonnard, Ramon Casas, Edgar Degas, Kees van Dongen, Vincent van Gogh, Max Jacob, Marie Laurencin, Pablo Picasso, Henri de Toulouse-Lautrec, Suzanne Valadon et beaucoup d'autres illustrent la vie des poètes, compositeurs et peintres, même de "bonne famille" qui ont été attiré par cet "autre" Paris, ce microcosme bohémien qui allait avoir une grande influence sur l'art du 20e siècle.
La Schirn Kunsthalle a fait appel à de nombreux musées et collections privées comme le Musée d’Orsay (Paris), du Musée Van-Gogh (Amsterdam) ou encore du Museum of Modern Art (New York) pour pouvoir présenter cette exposition exceptionnelle.

Matta. Fictions

L'exposition "Matta. Fictions" faisait le lien entre les débuts surréalistes et les formats panoramiques de l'artiste chilien. Né au Chili en 1911 et décédé en Italie en 2002, Matta compte parmi les peintres les plus significatifs du 20ème siècle. Ses tableaux anticipent sur les genres de la science-fiction et des jeux vidéo. En 1937 déjà, Matta exposait avec les surréalistes à Paris et créait grâce à sa peinture des mondes de fantaisie cosmique. Son travail a notablement influencé l'art des années 1940. En dépit de leur aspect abstrait, les peintures de Matta reflètent toujours l'esprit de son temps. Alors que les grandes rétrospectives de son œuvre remontent déjà à plusieurs années en Allemagne, cette exposition porte un regard neuf sur un travail d'une actualité époustouflante pour la peinture d'aujourd'hui. Un grand peintre y est à redécouvrir.

Verführung Freiheit - Séduction Liberté
Art en Europe depuis 1945

Liberté, quelle est la signification de ce mot dans le monde d’aujourd’hui ? Un sujet sur lequel se sont penchés 113 artistes originaires de 28 pays européens dans l’exposition que le Conseil de l’Europe présente au Musée de l’Histoire allemande de Berlin. Une exposition consacrée à l’art en Europe depuis 1945.

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Exposition du Kunstmuseum Wolfsbourg
Frank Stella - Rétrospective
Œuvres 1958-2012

Frank Stella (né en 1936) est l'un des premiers artistes américains à avoir été entièrement formé par l'art abstrait, Stella est l'un des premiers à dissocier progressivement la relation entre expressionnisme et abstraction qui fondait l'expressionnisme abstrait. Il a cherché à isoler les différents éléments constitutifs de la peinture – châssis, toile, couleur, format – pour les ré-arranger. À partir de 1960, Stella commence à produire les peintures sur aluminium et sur cuivre qui, dans leur présentation de lignes régulières de couleur séparées par des filets, sont semblables à ses peintures noires. En 1967 il a commencé sa série Protractor Series, dans laquelle les courbes, parfois recouvrantes, s'insèrent dans des carrés qui sont disposés à côté de cercles et demi-cercles peints en anneaux de couleurs s'entrecroisant dans ceux-ci. Ces peintures sont baptisées d'après les villes circulaires que le peintre a visitées lors d'un voyage au Moyen-Orient. Dans les années 1970, le style de Stella subit un changement majeur. Les conceptions géométriques soigneusement construites exécutées dans des plans plats de couleur sont remplacées par un modèle « plus lâché » parfois réminiscent du graffiti. (Source Wikipedia)

LEGER-LAURENS - Tête-à-Tête

Ces deux artistes majeurs - Fernand Léger (1881 Argentan –1955 Gif-sur-Yvette) et Henri Laurens (1885 Paris –1954 Paris) - étaient présentés en 2012 au Musée Frieder Burda à Baden-Baden. Leurs œuvres marquent historiquement et durablement la première moitié du XXème siècle. La réunion de ces deux créateurs donnera au public l'occasion de redécouvrir ce qui forge la modernité de l'un et de l'autre, dans deux domaines opposés mais indubitablement complémentaires, la peinture et la sculpture.

Wien Berlin
Kunst zweier Metropolen. Von Schiele bis Grosz

Vienne Berlin
L'art de deux métropoles. De Schiele à Grosz

Le point de départ de l'exposition Vienne - Berlin, organisée par la Berlinische Galerie et le Belvédère, Vienne en 2014, est constitué par les liens, les différences et les similitudes qui caractérisaient autour de 1900 le courant artistique de la Sécession dans les deux villes. Alors qu'à Vienne les expressionnistes se distinguaient par leur sensibilité psychologique, les jeunes fauves berlinois se manifestaient à travers une gestuelle aussi extatique qu'agressive. La Première Guerre mondiale devait rapprocher les deux pays, de telle sorte qu'un échange artistique particulièrement dynamique s'établit alors entre les deux villes. Dans le cadre de cette exposition, on découvrira entre autres des chefs-d'œuvre de Hans Baluschek, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz, Carry Hauser, Raoul Hausmann,
Hannah Höch, Ernst-Ludwig Kirchner, Erika Giovanna Klien, Gustav Klimt, Oskar Kokoschka, Broncia Koller-Pinell, Max Liebermann, Jeanne Mammen, Ludwig Meidner, Koloman Moser, Max Oppenheimer, Emil Orlik, Christian Schad, Egon Schiele, Max Slevogt et d'autres.

Camille Pissarro
Avec les yeux d'un impressionniste
Mit den Augen eines Impressionisten

Le Musée Picasso de Münster a présenté pour la première fois en Allemagne plus de 100 œuvres gravés de Camille Pissaro (1830 - 1903) prêtés par la Bibliothèque Nationale de France.
Camille Pissarro fut, avec Edgar Degas, le peintre impressionniste le plus attiré par la pratique de l'estampe. Pour la première fois en Allemagne, le Kunstmuseum Pablo Picasso de Münster offre au public la possibilité de découvrir son œuvre gravé, un très bel ensemble d'épreuves, souvent rares ou uniques, de ce que l'artiste appelait ses "impressions gravées". Réalisées entre 1863 et 1902, les estampes de Pissarro n'étaient pas destinées à la diffusion. Ses eaux- fortes, tirées à un petit nombre d'exemplaires, témoignent d'un goût prononcé, apparu aux côtés de Degas en 1878, pour les expérimentations techniques et les tirages différenciés. Leurs séances de travail communes, auxquelles participait également Mary Cassatt, incitèrent Pissarro à renouveler sa pratique de l'eau-forte, cantonnée jusque-là dans l'usage exclusif de la pointe égratignant le vernis. À partir de 1879, d'indescrip - tibles mélanges de procédés plus pic - turaux que graphiques constituent la base de son travail sur la plaque qu'il résume sous l'appellation de "manière grise". En 1894, l'acquisition d'une presse le conduit au monotype et à la gravure en couleurs. Comme de nombreux peintres-graveurs, Pissarro s'est laissé séduire par la lithographie, qu'il découvre en 1874 et pratique régulièrement dans les années 1890, toujours plus attiré par la spontanéité du procédé que par les possibilités de tirage en nombre. Gravures et lithographies abordent les mêmes sujets, souvent rustiques. On y rencontre de nombreux paysans et paysannes des environs de Pontoise saisis dans leurs travaux quotidiens. Les scènes de marché retiennent son attention à partir des années 1890. De nombreuses vues de Rouen apportent un pendant urbain à cet ensemble auquel il convient d'ajouter plusieurs portraits, parmi lesquels un fameux Autoportrait . Le parcours de l'exposition de Münster est construit autour de ces différents groupes de motifs, tout à fait représentatifs des goûts des impressionnistes.
Source : Valérie Sueur-Hermel / Bibliothèque Nationale de France

Karl-Friedrich Schinkel
Architecte, peintre, designer

Rétrospective Karl-Friedrich Schinkel, peintre et architecte prussien à la Hypo Kunsthalle Munich. Considéré comme un génie universel, il était également un concepteur urbaniste. Le style de Schinkel dans sa période la plus productive est marqué par un retour à l'architecture grecque classique, peut-être une tentative de s'écarter du style romain des occupants français. Ses bâtiments les plus célèbres se trouvent à Berlin et dans ses alentours. Parmi ceux-ci, on peut noter à Berlin le Konzerthaus (1819-1821) et l'Altes Museum sur l'île aux musées (1823-1830). Schinkel était aussi peintre, créateur de décors théâtraux et architecte d'intérieur.

GLAM! The Performance of Style
Schirn Kunsthalle Francfort 2013

Glam fait référence au style extravagant de musiciens tels que David Bowie ou Marc Bolan ont rendu populaire en Angleterre au début des années 1970.
Glam était une combinaison irrévérencieuse de la haute culture et de la subculture et une remise en cause des notions traditionnelles d'identité et du sexe. Le mouvement a eu ses origines dans la scène de l'école d'art britannique, où le peintre et graphiste Richard Hamilton a exercé une forte influence sur Bryan Ferry avec la thèse que tout art est égal. Le chef du groupe Roxy Music incarnait la quintessence du glam, en liant avant-garde, pop art et  l'esthétique artificielle.
L'exposition organisée par la Tate Liverpool en collaboration avec la Schirn Kunsthalle de Francfort et du Musée d’Art Lentos de Linz a dévoilé pour la première fois l'impact que le Glam exerça sur le cinéma, la photographie, la mode, le design graphique, la performance et l'art d'installation, la peinture et la sculpture.
En plus des quelques 150 œuvres d'artistes tels Guy Bourdin, Gilbert & George, Peter Hujar, Derek Jarman, Ray Johnson, Allen Jones, Jürgen Klauke, Ed Paschke, Sigmar Polke, Cindy Sherman, et Andy Warhol, ce sont les photos de Mick Rock qui démontrent le phénomène.

Tobias Zielony. Jenny Jenny
A la Berlinische Galerie en 2013

L'artiste berlinois Tobias Zielony (né en 1973 à Wuppertal) est l'un des photographes allemands les plus controversés de sa génération. La Berlinische Galerie présente pour la première fois une exposition individuelle de son dernier projet "Jenny Jenny" (2011-2013), qui comprend deux films d'animation photographiques. De plus, la Berlinische Galerie présente la série "Trona" (2008), récemment acquise par le Landesmuseum für Moderne Kunst pour sa collection photographique.
Depuis plus de dix ans, Tobias Zielony a photographié des jeunes qu'il rencontre à la périphérie urbaine et sociale. Là, où des promesses d'une modernité et d'une communauté solidaire ne sont resté que des mots vains: chez les jeunes dans la nuit de Los Angeles (The Cast, 2007) ou chez les descendants des autochtones du Canada dans les réserves du Manitoba dont les traditions culturelles ont été aussi bien détruites que leurs perspectives d'avenir (2009).  Ou encore ces enfants des familles de la Camorra qui posent dans le complexe résidentiel d'avant-garde "Vele" de Naples (2010).
La série "Trona" (2008) suit des jeunes de la ville du même nom dans le désert près de Los Angeles. Quand l'ancienne ville industrielle commençait à se dégrader suite à la baisse des activités, beaucoup de ses habitants ont commencé à sombrer dans la drogue avec du Crystal Meth. Trona est symptomatique pour de nombreuses villes de l'Amérique rurale pauvre. Zielony révèle ce qui se passe lorsque les structures sociales et institutionnelles s'effondrent et quand les populations sont abandonnées à elles-mêmes.
Son projet le plus récent s'appelle "Jenny Jenny". Il s'agit de jeunes femmes, dont certains gagnent leur vie du travail du sexe. Mais les réalités et les rôles restent volontairement ou involontairement  floues...
Zielony réalise des photographies d'une grande intimité tout en gardant des distances indéchiffrables. L'obscurité et l'impénétrabilité de ses photographies correspondent aux promesses fragiles d'un monde dans lequel un demain n'est pas prévu.

Trésors de l'enluminure du Moyen-Âge

La Kunsthalle de la fondation Hypo-Kulturstiftung de Munich a exposé des trésors de l'enluminure du Moyen-Âge qu'on voit peut-être une fois par siècle Cette exposition spectaculaire fait jaillir de toutes parts les couleurs vives, l'or, l'argent et la somptuosité des ornements, alliés à la noblesse du parchemin. L'exposition a rassemblé 72 chefs-d'œuvre, dont plusieurs sont millénaires. Il s'agit de manuscrits, d'incunables ou encore de reliures incrustées d'ivoire, d'émail ou de pierres précieuses. Ils proviennent du somptueux fonds de la Bibliothèque nationale de Munich et de celle de Bamberg. Derniers témoins d'une période d'une immense richesse culturelle, ils sont d'une telle rareté et surtout d'une telle fragilité qu'ils ne sortent pratiquement jamais de leur écrin. Ces trésors couvrent une période allant de l'empire carolingien à l'art roman en passant par les empereurs saxons Otton « le Grand », Otton II et Otton III. Parmi les plus précieux figurent l'évangéliaire de la cathédrale de Bamberg (ou évangéliaire de Reichenau), chef-d'œuvre de l'art ottonien, l'évangéliaire d'Otton III (912-973), qui rassemble les quatre Évangiles, ou encore le livre des Péricopes d'Henri II (973-1024). Tous les trois figurent depuis 2003 sur la liste du Patrimoine mondial de l'UNESCO.
Source CIDAL

Dennis Hopper
Exposition au Martin-Gropius-Bau Berlin 2012


The Lost Album Vintage Photographs of the 1960s
L'exposition a présenté plus de quatre cents photographies Vintage, prises par Dennis Hopper (1936-2010) dans les années 1960.
Oubliées dans cinq caisses, elles ont refait surface qu'après sa mort. Il ne fait aucun doute que ces photos sont celles que Hopper a choisies lui-même pour sa première grande exposition. Des clichés documentent la façon dont les œuvres ont été installés dans le Fort Worth Art Museum Center, au Texas, en 1969, par lui-même et Henry T. Hopkins, directeur du musée à l'époque. Ces œuvres n'ont été jamais exposées en Europe avant.
Ce sont d
es images légendaires, spontanés, intimes, poétiques, politiques; des documents d'une époque excitante
et de ses protagonistes qui reflètent l'atmosphère des années '60. Beaucoup de ces portraits sont aujourd'hui des icônes : Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Paul Newman ou Jane Fonda. Dennis Hopper s'intéresse à tout, où qu'il soit : Los Angeles, New York, Londres, Mexique ou au Pérou, il observe avec enthousiasme et curiosité.
Dennis Lee Hopper, né le 17 mai 1936 à Dodge City, Kansas et mort le 29 mai 2010 à Los Angeles, est un acteur, réalisateur, poète, peintre et photographe américain. Connu pour ses rôles, à ses débuts, au côté de James Dean, il est le réalisateur et acteur d'Easy Rider, symbole culturel de l'Amérique hippie, qui reçut le Prix de la Première œuvre au Festival de Cannes 1969 et devint rapidement un film culte. Il est également connu pour ses rôles dans Apocalypse Now et Rusty James de Francis Ford Coppola, L'Ami américain de Wim Wenders ou encore dans Blue Velvet de David Lynch.

Yoko Ono - Half a wind show 2013

Yoko Ono compte parmi les artistes les plus influentes de notre époque. Pour son 80e anniversaire, la Schirn-Kunsthalle lui a consacré une grande rétrospective. L’exposition retrace ses travaux des dernières 60 années avec des médias différents. On y (re)découvre des œuvres datant des années 60, exposées d'abord à New-York puis au Japon. Ces travaux incluent "Instructions for Paintings", exposé en 1961 et 1962, "Cut Piece", et la publication de "Grapefruit" en 1964, qui a confirmé sa réputation. L’exposition démontre l’influence de Yoko Ono sur le mouvement d'art Fluxus et sur l'art conceptuel, la performance, le film et la musique. L'exposition comporte également plusieurs grandes installations et d'autres œuvres actuelles.

Gustave Caillebotte
Un impressionniste et la photographie 2013

La SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT a consacré à l’impressionniste français Gustave Caillebotte (1848-1894) une grande exposition regroupant des tableaux, pastels et dessins. En Allemagne, l’intérêt porté à Caillebotte ne fait que commencer, alors qu’en France, en Grande-Bretagne et aux États-Unis, cet artiste est déjà considéré comme une figure majeure de l’Impressionnisme. Ses représentations radicales, d’une très grande modernité et quasi photographiques, abordent de façon extraordinairement convaincante le rapport étroit entre la peinture et la photo et, partant, une toute nouvelle manière de voir. Que ce soit dans la perspective particulière du cadrage, mais aussi dans le choix des thèmes, comme le mouvement et l’abstraction, il anticipe le regard photographique que l’on ne retrouvera vraiment dans la peinture que plus tard. L’exposition compte de ce fait aussi une centaine de documents photographiques hors pair, datant tous de la fin du 19e ou du début du 20e siècle, qui témoignent du rôle de précurseur de Caillebotte.

David Hockney. A Bigger Picture 2013
Musée Ludwig, Cologne

L'exposition a été organisée par la Royal Academy of Arts de Londres, en coopération avec le Musée Ludwig et le musée Guggenheim de Bilbao.

David Hockney est connu comme un personnage haut en couleur du "Swinging London" et chroniqueur du "Way of Life" californien. Avec ses portraits très particuliers, ses natures mortes et ses paysages magistraux, des collages de photos, décors de théâtre, il compte parmi les artistes contemporains les plus importants été depuis des décennies. Son œuvre polyvalent réserve toujours de nouvelles surprises. La peinture de paysages, notamment du Grand Canyon, au cours des dernières années est presque devenue le centre de son travail. Depuis son retour de Los Angeles dans les régions rurales de l'East Yorkshire, il a créé une énorme variété de paysages magnifiques. En partie peintes directement dans la nature, les formats souvent monumentaux offrent au spectateur un accès immédiat. Là encore, l'artiste traduit les paysages en scènes presque féeriques, qui nous emmènent dans un monde de rêves colorées. Parallèlement à la peinture traditionnelle, Hockney expérimente intensivement avec le dessin sur écran. L'écran tactile de son Smartphone, et plus tard l'i Pad lui permettent un travail extrêmement rapide et la création d'images qui impressionnent par leur fraîcheur. Dans sa complexité, l'exposition montre un artiste qui donne au thème classique du paysage des impulsions nouvelles.

Martin Honert
Kinderkreuzzug - Croisade des enfants 2013

Une exposition du Musée Hamburger Bahnhof à Berlin
Martin Honert, né en 1953 à Bottrop dans la région de la Ruhr, est depuis 1998 professeur à l'école des beaux-arts de Dresde.
Martin Honert remonte le fil de ses souvenirs d'enfance. C'est le thème central de son œuvre. Il tire son inspiration des dessins d'enfants ou encore de photographies de famille ou ses souvenirs des cours à l'école. Son œuvre traite d’un temps où nous croyions encore aux représentations et à la grandeur. Ce sont parfois des scènes réelles auxquelles il a assisté, des scènes imaginées suite à la lecture de contes ou même des situations totalement imaginaires dont il a pu rêver. En recréant avec un soin particulier les figures sans regard, il restitue un monde, tel un enfant pourrait l'apercevoir, un monde dans lequel l’ordinaire et le banal sont encore dotés d’un aspect magique.

Rétrospective Gillian Wearing 2013

La première grande rétrospective de l'œuvre de Gillian Wearing en Allemagne a montré des œuvres photographiques et des installations vidéo.
Exposition au Musée Brandhorst à Munich en 2013

Gillian Wearing est l'une des artistes les plus importantes de sa génération au Royaume-Uni. Née en 1963 à Birmingham, elle a étudié dans les années 1990 au prestigieux Goldsmith College de Londres et a acquis une renommée internationale. En 1997, l'artiste a reçu le Prix Turner. Pour Gillian Wearing "faire de l'art" signifie rendre visibles des relations sociales. Elle s'intéresse aux attitudes et les comportements de personnes différentes dans diverses mises en scènes - des citoyens ordinaires, des sans-abri, des retraités ou encore des écoliers.

"Signs that Say What You Want Them to Say and Not Signs that Say What Someone Else Wants You to Say"

Entre 1992 -1993, Gillian Wearing a demandé à des passants inconnus de coucher spontanément sur papier leurs pensées, puis les a photographiés. Le résultat est une série de 600 portraits qui reflètent le contrôle et la perte du contrôle liés inévitablement à la production de l'image et de l'effet que l'image produit. Sur un portrait de groupe, qui rappelle des peintures historiques, 26 hommes et femmes en uniformes de police regardent muet, mais intensivement le spectateur. Le portrait n'est plus une photographie, mais devient un film.
"Je m'intéresse aux gens", explique Gillian Wearing, "et je sais que la production d'une image est toujours un acte du pouvoir, et que la manipulation ne peut jamais être évitée complètement."

Expositions passées

Diane Arbus (New York, 1923-1971) s'inscrit dans un courant photographique qu'avait inauguré un autre grand photographe américain, Walker Evans, qui avait imposé un style documentaire et urbain dans les années 1930. Elle a révolutionné l’art de la photographie. L’audace de sa thématique, aussi bien que son approche photographique ont donné naissance à une œuvre souvent choquante par sa pureté. Après 1962, quand elle abandonne le format rectangulaire du 24x36 pour le format carré du 6x6 qu'elle impose son style propre. Son travail "les rites de la société américaine", vaste galerie de portraits d'Américains, pour la plupart inconnus met en exergue les rites sociaux de cette société. Fascinée par les personnages hors-normes, elle photographie également des travestis, des transsexuels, des handicapés mentaux, des jumeaux, des nains, etc. En 1966, Diane Arbus contracte une hépatite, conséquence de sa méthode de travail très intimiste qui la menait souvent à avoir des relations sexuelles avec ses modèles. Cet événement marque le début de sa lente marche vers le suicide. Par ses photos, Diane Arbus révèle combien l'étrange peut surgir de n'importe où.


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